Priscilla Royer, DA chez Maison Michel, bouscule les codes du chapeau

Le parcours de Priscilla Royer, DA chez Maison Michel

1936 : Auguste Michel fonde sa chapellerie à Paris.
1996 : Chanel rachète l’illustre maison et l’attache à ses Métiers d’Art.
2015 : Priscilla Royer reprend la direction artistique du label pour écrire la suite de l’histoire.

Depuis son arrivée, la jeune designer bouscule amoureusement les codes de Maison Michel. En quatre ans, Priscilla Royer a su faire descendre le chapeau dans la rue et réinventer l’image de la Maison. À l’écouter, cet accessoire si nécessaire devait impérativement transgresser les hautes sphères pour investir de nouveaux territoires : le style et l’utilitaire. Sous son impulsion, le chapeau se fait le reflet d’une époque et de la personnalité de celui qui le porte. Entretien avec une créatrice libre, aussi modiste qu’anthropologue.

Comment êtes-vous arrivée à la mode et à la création ?

Mon premier amour étant la photographie, j’avais une chambre noire. Je développais plein de photos, je faisais des concours puis à un moment donné, cela n’a plus été assez pour moi. J’ai eu besoin de toucher la matière, de revenir à ce que je faisais lorsque j’étais encore plus jeune. Bidouiller les chiffons, les tissus… J’ai eu une machine à coudre pour mon anniversaire. Je devais avoir 16 ans ou 17 ans et là, tout a vraiment commencé. Je suis arrivée à Paris, j’ai fait mes études et mon premier stage à 19 ans chez APC. C’est mon premier pas dans la mode.

Quelle formation avez-vous suivi ?

J’ai fait une école de communication visuelle et une courte formation de deux ans à Penninghen (une école de direction artistique et d’architecture intérieure française) puis je suis allée au studio Berçot (une autre école de mode et de stylisme reconnue basée à Paris). J’ai fait le cursus normal en deux ans puis je suis partie à Londres. J’ai pris des cours du soir à Central Saint Martins (l’une des meilleures universités d’art et de design au monde) mais je travaillais déjà chez Westwood à l’époque. C’est bien d’apprendre une méthodologie mais ce n’était pas suffisant pour moi, il fallait que je travaille, que je sois dans le milieu professionnel. Je trouvais qu’il n’y avait rien de plus concret.

C’est bien d’apprendre une méthodologie mais ce n’était pas suffisant pour moi, il fallait que je travaille, que je sois dans le milieu professionnel.

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Quand et comment êtes-vous arrivée chez Maison Michel ? Comment se sont passés vos débuts ?

Début 2015, Chanel m’a contactée et m’a proposé de prendre la direction artistique de Maison Michel. J’ai rencontré Virginie Viard (la directrice du studio Chanel, bras droit et bras gauche de Karl Lagerfeld) puis Bruno aussi (Bruno Pavlovsky, président des activités mode de Chanel, ndlr.) ; Le feeling est bien passé et l’aventure commençait.

Mes débuts ont été super riches, cela a été très très intense. Je me rappelle ne pas avoir beaucoup dormi les quatre premiers mois ! J’ai passé beaucoup de temps dans les ateliers pour essayer de comprendre comment ils fonctionnaient, où est-ce qu’ils en étaient aussi dans leur façon de travailler, avec quelles matières. Petit à petit, nous nous sommes mutuellement apprivoisés. Il fallait un peu de temps mais maintenant, c’est un chouette laboratoire.

À quoi ressemble votre quotidien de directrice artistique ?

Les jours ne se ressemblent pas. Je peux très bien commencer le matin avec un point presse puis enchainer sur du commercial pour finalement atterrir à l’atelier. Mais ce n’est jamais figé car c’est évidemment le rythme des collections qui drive mes journées. Si les collections sont calmes, je vais m’attacher à des rôles beaucoup plus périphériques et si l’activité est dense, je vais bien sûr commencer mes journées à l’atelier pour que tout le monde aient les réponses dont ils ont besoin pour avancer sur la conception.
Il faut absolument que je sois présente à l’atelier avant le prototype final car c’est une chose de donner des directives, cela en est une autre de regarder comment cela se passe en réalité ! Par exemple s’il faut que l’on bouge quelque chose parce qu’il y a une contrainte technique, on la bouge. Je ne suis pas bloquée ; J’ai une idée globale de ce que je veux mais on peut aussi contourner le problème, discuter ensemble, c’est un échange et des allers-retours constants.

Il y a un truc qui m’excite beaucoup, c’est le don d’ubiquité : un pouvoir magique dont j’aime le principe. J’essaie au maximum d’être là même quand je ne suis pas là. C’est important d’être disponible tout le temps.

C’est une chose de donner des directives, cela en est une autre de regarder comment cela se passe en réalité !

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Qu’est-ce qui vous inspire et donne le LA dans la conception de vos collections ?

Dans chaque collection, il y a des références culturelles puis il y a aussi une sorte d’écho à ce qui se passe dans la vie de tous les jours ou dans la société. C’est entremêlé. Si je ne suis pas juste dans mon temps, si je ne colle pas aux envies de l’époque, la collection ne fonctionnera pas. C’est mon métier de répondre à un besoin, qui n’existe peut-être que dans la tête des gens, de le créer.

En quoi le chapeau, est-il selon vous, le reflet de l’époque ?

Avant, on pouvait dire que le chapeau était le reflet d’une époque mais aussi de clans. C’était tout un code social, notamment dans l’histoire du costume masculin. Aujourd’hui, on est plus trop là-dedans, c’est davantage le reflet d’une personnalité. On met un chapeau pour embellir ou extravertir sa personnalité mais aussi pour se protéger de la pluie, du vent ou du soleil. C’est vraiment ce ratio, ce pas de deux entre utilitaire et style qui prévaut. Et tout ceci n’est articulé que par la personnalité de celui qui porte le chapeau.

Par exemple, même celui qui porte tous les jours le même chapeau et prétend n’en avoir rien à faire, véhicule un message. C’est presque une analyse comportementaliste que je dois faire ! Je passe mon temps à observer tout cela. Toutes les distances et trajets que j’effectue d’un bureau à un autre me nourrissent aussi tous les jours. Il y a tellement de monde dans une grande ville, c’est fascinant.

Même celui qui porte tous les jours le même chapeau et prétend n’en avoir rien à faire, véhicule un message. C’est presque une analyse comportementaliste que je dois faire.

Vous travaillez à désacraliser le chapeau et l’accessoire de tête pour le faire exister, le détacher d’une certaine vision élitiste, précieuse, mondaine. Mais comment le faire descendre dans la rue ?

On dit souvent qu’il faut une forte personnalité pour porter quelque chose sur la tête car il faut pouvoir l’assumer mais cela ne veut pas dire que celui qui est timide ne peut pas se le permettre. Le travail sur la matière peut aider à la désacralisation. Pour cela, à l’atelier, on travaille beaucoup les épaisseurs, les apprêts, les pailles de différentes provenance, les tressages pour permettre une pluralité d’usages ; que l’on puisse le rouler, le manipuler sans craindre de l’abîmer, le ranger dans un sac, l’enlever, le remettre… Tout cela contribue à décomplexer celui qui porte le chapeau. Il faut que la gestuelle soit aussi naturelle que possible.

Il y a aussi une réelle notion de choix. Une grande majorité de nos modèles peuvent être portés par des hommes et par des femmes. Il n’y a donc pas de segmentation par genre. Chacun choisit pour lui-même et pour laisser sa créativité s’exprimer.

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Lorsque vous enseigniez au studio Berçot, que cherchiez-vous à transmettre en premier lieu à vos étudiants ?

Je n’enseignais pas une matière précise. J’étais là pour accompagner les étudiants dans le développement de leurs dossiers personnels. Je les aidais à se trouver. C’était plus du coaching et on ne voulait en aucun cas plaquer un jugement sur leur travail mais le questionner ; « pourquoi tu as choisi cela et comment tu veux le faire évoluer » ? C’était une forme d’invitation à se libérer d’une méthodologie. Ce que je faisais, c’était aider les étudiants à sortir du cadre.

Au studio Berçot, on faisait plus du coaching, on ne voulait en aucun cas plaquer un jugement sur leur travail mais le questionner.

Quelles sont, selon vous, les qualités d’un bon directeur artistique ?

Ce qui est important, à mon sens, c’est d’écouter, ce que les autres personnes de l’équipe ont à dire. Si cela tique quelque part, c’est que ça gratte, qu’il y a un truc. Si cela ne coule pas de source, c’est que quelque chose n’est pas bien ficelé. Il faut bien sûr aussi un peu d’intelligence humaine, comme partout. Et puis savoir observer.

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Qu’est-ce que vous aimez le plus dans votre métier ?

J’aime bien m’amuser Si la journée est lourde, il faut changer de job. Je suis un peu obligée de transmettre une sorte d’énergie pour embarquer tout le monde.

Quel conseil donneriez-vous à un créatif en devenir ?

Prendre son temps. Ne pas forcer les choses, ça arrive quand c’est prêt. Je trouve qu’aujourd’hui, tout va tellement vite. À 22 ans, on a les mêmes attentes qu’à 32 ou 40 ans, c’est assez lunaire quand même. Il faut avoir la sagesse de reconnaître que le temps fait bien son travail.

Et dans la mode, le temps a son importance. On est dans un milieu où tout va très vite, où l’on court après les deadlines d’hier et il y a toujours un imprévu. Avant, cela me rendait dingue. Au final, les imprévus, il faut jouer avec. Le driver, c’est continuer de jouer parce que sinon c’est chiant, non ?

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Photos by WTTJ

Chef de projet marketing freelance dans les secteurs mode et art de vivre

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